светлана камерон

Светлана Камерон о канонах портретной живописи

Когда художник пишет классический портрет, должна ли модель соответствовать определенным канонам внешности, если да, то каким?

Если мы говорим о физических данных модели, то никаких правил нет, разумеется. В искусстве есть много примеров, когда люди, не обладающие «классической» и вообще сколько-нибудь привлекательной внешностью, вдохновляли художников и были мастерски запечатлены в выдающихся живописных портретах. Кроме того, стандарты красоты имеют свойство периодически меняться.

А вот поза и выражение лица действительно имеют важное значение. Каноны классического портрета складывались в течение многих столетий, задолго до изобретения фотографии. Моделям приходилось позировать на протяжении ряда сеансов, которые могли длиться достаточно долго. По этой причине для классических портретов характерны сбалансированные позы и спокойные выражения лиц, которые физически можно было удерживать на протяжении некоторого времени, а также легко воссоздавать после перерывов в работе. Излишние эмоции, широкие улыбки, смех, некомфортные позы, мимолетные движения – все это не характерно для классических портретов, хотя и присутствовало в живописи, как правило, в жанровых сценах.

Еще не стоит забывать о том, что портреты часто были привилегией высшего сословия, представители которого, как правило, были сдержанны, и проявление излишней эмоциональности среди которых считалась дурным тоном.

Как можно описать словами особенности классического ракурса?

Традиционным считается небольшой поворот головы, или так называемый ракурс «три четверти». Он позволяет художнику видеть одновременно переднюю и боковую стороны лица и фигуры, которые, как правило, освещены неравно, что создает иллюзию объема. Фронтальный ракурс встречается реже из-за излишней статичности и симметрии, и, как правило, используется художником намеренно с определенной целью, например, чтобы придать образу монументальный и торжественный вид. Ракурс в профиль полностью исключает визуальный контакт модели со зрителем и сообщает портрету некоторую отстраненность. Не случайно монархов на монетах и медалях изображают именно в профиль. Но иногда причины выбора того или иного ракурса могут быть более прозаичными: например, чтобы подчеркнуть отдельные черты лица или, наоборот, скрыть изъяны внешности.

Какие требования к раме для портрета? Чем отличается оформления холста, выполненного пастелью от выполненного маслом?

Главное принципиальное отличие состоит в том, что работа, выполненная пастелью, обязательно должна быть помещена под стекло, а картина маслом — нет. Все остальное — дело вкуса. На самом деле, выбор рамы – непростой и очень важный момент. Правильно выбранная рама должна стилистически дополнить картину, стать для нее достойной оправой, но в то же время не отвлекать внимание зрителя от портрета.

В чем особенности классического портрета в целом, его отличия от современного портрета, если такое понятие вообще существует?

Если мы говорим об эстетике, то для многих современных портретов, как и для современного искусства вообще, характерно отсутствие стремления к красоте. В приоритете эпатаж и стремление к новаторству, для чего художники намеренно отступают от сложившихся канонов и нарушают традиционные правила композиции. Примером могут служить работы с излишне натуралистичным изображением (так называемый гипер-реализм); работы неестественных гигантских размеров; стилизованные плоские изображения, в которых отсутствует моделировка света и тени; портреты с неэстетичными позами и выражениями лиц, которые считаются неприемлемыми в классическом портрете. Наблюдается тенденция изображать людей менее привлекательными, чем они есть на самом деле, а достижение портретного сходства вообще не является обязательным.

Если же мы сравним реалистичные портреты, созданные сегодня с теми, что были написаны в прошлых столетиях, то можем заметить, что для работ Старых Мастеров характерны более мягкие полутона и использование более сдержанной палитры. Причины очень простые: до изобретения электричества художники работали при естественном освещении, размещая модель, как правило, у большого окна с северной стороны. Это создавало холодные светлые участки, теплые тени и мягкие полутона на лице и фигуре. Многие современные художники используют электрическую подсветку модели, что делает цвета более яркими, радикально меняет соотношение температур — светлые участки становятся более теплыми, а тени, наоборот, холодными — и создает резкий переход от света к тени.

В чем отличие портретов, в которых присутствует прорисовка контура и тех, которые пишут без контура? Это разные техники?

Да, это разные техники — первая не лучше и не хуже, чем вторая. Работы с прорисованным контуром выглядят более стилизованными, как например, портреты Боттичелли, в то время как портреты «без контура» выглядят боле реалистично. Вспомните знаменитую технику «сфумато» в работах Рафаэля и Леонардо да Винчи.

Какой неочевидный прием вы позаимствовали у великих мастеров?

Есть много интересных приемов, которые я позаимствовала у великих мастеров. Один из них – создание монохромного слоя, который становится основой будущей картины, и на который впоследствии наносится краска тонкими полупрозрачными лессировками. Это так называемое «оптическое» смешивание красок позволяет создавать удивительные цветовые оттенки и ощущение глубины и объема, которые невозможно создать другими способами.

Еще один мой любимый прием, заимствованный у мастеров, — это работа со студийным манекеном, позволяющим писать одежду с натуры. При личной встрече с моделью я предпочитаю не тратить время на работу над платьем, а сосредоточиваю все мое внимание на общении, создании эмоционального настроя, а также на работе над самыми важными участками – лицом и руками. Во время сеанса я составляю палитру будущего портрета, смешивая краски «с натуры», а также фиксирую на фото позу, выражение лица, расположение прядей волос, геометрию складок одежды и т.п, чтобы было с чем свериться позже в процессе работы.

Затем, оставшись одна, я провожу большую часть работы над тканями и аксессуарами, разместив их на манекене в студии. Это позволяет мне не спеша изучить их фактуру, понаблюдать как меняется их цвет при перехода от света к тени, изучить детали отделки. Именно эта работа вживую придает моим портретам ощущение реализма, которое зрители отмечают в моих портретах.

Чем отличаются вещи, написанные по живой модели и по фотографии?

Процесс работы по фото никогда не сможет сравнится с работой с натуры, это факт. Но к сожалению, фактом является и то, что реалии современной жизни не позволяют моделям позировать так долго, как это требуется художнику для создания реалистичного классического портрета. Приходится идти на компромисс, и практически все портретисты сегодня так или иначе используют фото в процессе работы. Но это вовсе не значит, что качество работы будет хуже. Если художник имеет достаточно большой опыт работы с натуры, то портрет, созданный этим же художником по фотографии, не будет уступать по качеству. Такой мастер, во-первых, выберет правильный фото материал, во-вторых, сумеет определить какие элементы нужно заимствовать из фото, а какие стоит опустить. В-третьих, сможет скорректировать типичные недостатки фотографии, такие как отсутствие холодных полутонов в цветах кожи или искажение перспективы, что часто встречается в работах менее опытных художников, привыкших копировать фотографии.
 
Вообще, важен не сам факт использования фотографии, а то, как именно это делается. Профессионалы, привыкшие работать с натуры, как правило отказываются работать по чужим изображениям и самостоятельно создают фото материал, отвечающий их требованиям. В этом случае все творческие решения относительно ракурса, позы, освещения, цветовой гаммы принимаются самим художником во время сеанса с моделью, а камера просто фиксирует созданную художником композицию. Раньше эту функцию выполняли эскизы и быстрые зарисовки с натуры.
 
Однако нередко сегодня можно встретить художников, готовых работать по фото вообще не встречаясь с моделью. Для меня это неприемлемо, так как это лишает художника самого главного — возможности эмоционального контакта с человеком и принятия авторских творческих решений, и превращает создание портрета в копирование уже существующего изображения, созданного кем-то другим. Само по себе копирование является хорошим упражнением, но но более. Вариант «портрет по вашему фото» не считается приемлемым в по-настоящему профессиональных кругах (за исключением посмертных портретов). Такие работы, например, дисквалифицируются в профессиональных художественных конкурсах высокого уровня.
logo

Введите Email и пароль